Iván Martín: «La orquesta es la manifestación más grande de la música de cámara»

¿Chopin es siempre un reto para un pianista?

Chopin creó un lenguaje personal y una manera particular de entender el piano, supo prever cuál sería el futuro del instrumento, además de avanzar el impresionismo en la música. Es uno de esos compositores que tienen un sello único. A mi modo de ver, es una música tan perfecta en el papel que, como intérprete, pido perdón a Chopin antes de comenzar a tocar su música.

Se ha dicho que, en los conciertos para piano, Chopin no saca todo el provecho de la orquesta. ¿Lo cree así?

Este género fue la primera y única incursión de Chopin en la orquesta, que lo abordó con apenas veinte años, y que la comparativa no la deberíamos hacer con una sinfonía, sino más bien con una ópera, en donde el material orquestal es prácticamente un soporte para los cantantes, y en ese sentido, la orquestación de Chopin es muy efectiva y cumple a la perfección con este cometido. En esta época de su vida, Chopin estaba completamente enamorado de la ópera y hay muchísimos paralelismos entre su escritura orquestal y páginas de Bellini o Donizetti.

¿Permiten todos los conciertos para piano una reducción como la que interpretará en Pollença?

Era una práctica muy habitual en la época. Cuando el piano se convirtió en un instrumento que podía instalarse en el salón de una casa, se popularizaron los arreglos de conciertos para piano. Beethoven, por ejemplo, arregló algunos de sus conciertos para ser interpretados con piano y cuarteto de cuerda. Chopin interpretó asiduamente sus conciertos en formato de cámara.

Usted interpretará los dos conciertos no en orden de opus sino en el que fueron compuestos. ¿Es eso importante?

Este orden ofrece la posibilidad de apreciar el desarrollo compositivo que llevó Chopin en aquellos años. Ambos conciertos tienen un formato parecido, sin embargo, la orquestación es diferente, siendo mayor en el concierto número 1, que fue el segundo en escribirse; las circunstancias que rodearon la creación de ambas obras fueron bastante diversas y por lo tanto, las «musas» cambian en cada uno de los conciertos.

Históricamente, ¿cómo sería la historia de la música para teclado sin Chopin?

¡Muy diferente! Probablemente no tendríamos a Debussy, Scriabin, Rachmaninov y otros tantos, al menos en el estilo en el que los conocemos. Hay un eje histórico Rameau-Bach-Mozart-Chopin-Debussy y compositores posteriores que guardan una línea tan estrecha que sería difícil imaginarla sin alguno de ellos. Sin duda alguna, es una figura fundamental en el desarrollo de la música del siglo XIX en general y del piano en particular. Fue uno de los pioneros en entender la técnica pianística desde un cierto punto biomecánico, su concepto de cómo la mano debía adaptarse al teclado fue revolucionario y su capacidad de «hacer cantar» a un instrumento relativamente inerte y neutral como es el piano no pasó desapercibida para sus contemporáneos.

¿Qué implica tocar y dirigir al mismo tiempo?

Tiene sus ventajas y desventajas, pero creo que el concepto camerístico que se logra tiene algo de especial; el clima que se crea es el de hacer música de cámara, hay una mayor implicación de todos. Y es que, realmente, la orquesta es la manifestación más grande de la música de cámara.

¿Es una manera de garantizar su versión?

Disfruto por igual cuando colaboro con otros directores, siempre es un intercambio muy positivo, una oportunidad de aprender y una fuente de inspiración, pero al dirigir, la comunicación es más directa, aunque una versión como tal siempre está viva; uno llega con unas ideas que evolucionan cuando se colabora con músicos que aportan su visión. Esto es otra de las maravillas de esta profesión, compartir este lenguaje con otros colegas es un privilegio.

Director titular de la Sinfónica de Burgos, ¿qué implica para un pianista tener una orquesta a su disposición?

Estoy muy contento con el trabajo que hemos hecho en estos años, aunque realmente han sido más las intervenciones como director que como solista. Hemos podido trabajar el detalle que es lo que realmente me atrae, además de poder invitar a excelentes directores que han aportado su experiencia, algo que es absolutamente enriquecedor. Suele decirse que todos los músicos llevamos a un director en nuestro interior y que éste surge cuando tiene la necesidad de transcender el propio instrumento.

Hablemos del mundo del disco, en el que ha sido repetidamente galardonado. ¿Para qué editar discos si las plataformas se lo comen todo?

El disco en el mundo de la música clásica y de otros estilos como el jazz no deja de ser una manifestación de un momento creativo concreto, al que, en mi caso, se llega tras mucho trabajo de investigación con el repertorio, con el compositor, e intentando aportar una propuesta personal a la infinidad de opciones que existen en el mercado. Hoy tenemos unas posibilidades técnicas excepcionales, pero escuchamos la música desde un teléfono móvil. No sé si hemos ganado mucho con estos adelantos, pero en sectores relativamente pequeños como el de la música clásica, muchos siguen prefiriendo el soporte físico.

Vivió unos años en la isla, ¿qué recuerdos tiene de su estancia en Valldemossa?

Pues recuerdos maravillosos y muy vivos, tanto que no dejo de tener presente a ‘Sa Roqueta’ en mis pensamientos; fueron años de mucho estudio en una etapa que fue vital en mi formación, además de haber podido hacer muchos amigos, a quieres considero prácticamente familia desde entonces. Para un pianista, haber tenido el privilegio de vivir en un entorno mágico como Valldemossa a pocos metros de Sa Cartoixa deja una huella indeleble para toda la vida.

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