Picasso y su relación con el género del bodegón

Cerca de sesenta pinturas, dibujos y grabados pintados por Picasso entre 1907 y 1933 se exhiben desde hoy en el Museo Picasso barcelonés en una exposición que indaga en la relación del pintor malagueño con el género del bodegón.

EFE La exposición, "una muestra de tesis", como ha dicho el director del museo, Josep Serra, ha sido concebida por el especialista picassiano Christopher Green a partir de sus recientes investigaciones.

Entre las obras expuestas destacan el conjunto "magnífico" de cuatro bodegones que Picasso pinto en 1924, que ocupan un lugar destacado en la última sala: "Naturaleza muerta con guitarra", del Stedelijk Museum de Amsterdam; "Mandolina, frutero, botella y pastís", del Metropolitan de Nueva York; "Mandolina y guitarra", del Guggenheim de Nueva York; y "Naturaleza muerta con mandolina", de la National Gallery de Irlanda.

Christopher Green, profesor emérito del Courtauld Institute de Londres, ha recordado que "desde 1907 Picasso abrió su obra a la metamorfosis y se dedicó cada vez más a convertir una cosa en otra".

Según el comisario, el artista "transformaba figuras en objetos y objetos en figuras, o incluso creaba objetos que también eran figuras".

Un ejemplo de esta idea son unos primeros cuadros de 1907-1908, poco expuestos dado que proceden de colecciones privadas barcelonesas, en los que las hojas de un árbol se convierten en caras, y los árboles se pueden convertir a su vez en cuerpos.

Green asegura que hasta ahora no ha habido una exposición que se haya ocupado de la oscilación entre lo animado y lo inanimado en la obra picassiana: "objetos que 'viven' y figuras tan 'muertas' como los objetos".

Este proceso de metamorfosis tuvo su cenit en el momento en que Picasso entró en contacto con los círculos surrealistas, con los diseños que realizó para el ballet "Mercure" y las naturalezas muertas de 1924, en las que los objetos parecen "actores en el escenario o aparecen troceados como si fueran partes de un cuerpo".

Para el comisario, la exposición permite en un primer nivel de lectura "viajar por la imaginación de Picasso a través de una selección de diversas secuencias de obras del pintor, en un equilibrio entre lo vivo y lo muerto, sin permitir que ni la ida ni la muerte alcancen una victoria final y definitiva.

Para la exposición, han sido necesarios préstamos de museos de todo el mundo como el Pompidou de París, el Museo de Philadelphia, el Metropolitan de Nueva York, el Reina Sofía y el Museo Thyssen de Madrid o el Detroit Institute of Fine Arts.

El director del museo barcelonés ha agradecido la colaboración de los herederos del artista, que han cedido obras, en su mayoría inéditas, entre ellos grandes cuadros inacabados reveladores de la tesis de Green, como "Hombre sentado en un sillón" (1916) o "Instrumentos de música y frutera sobre una mesa" (1915).

La exposición ilustra también la relación de Picasso con el teatro con el proyecto del ballet "Mercure" (1924), para el que realizó trece cuadros gigantes en los que trabajó libremente con el "alfabeto" de los dioses, los humanos y las bestias, procedentes de la mitología grecorromana.

Al final del recorrido expositivo, varias obras del período 1924-1926 remiten al momento en que Picasso recurre al tema de la naturaleza muerta para introducir un erotismo cada vez más violento en su pintura, piezas en las que dota de forma orgánica a los objetos, a los que dispone como partes del cuerpo y que corta marcando sus líneas en la pintura fresca.

Es el caso de "Instrumentos de música sobre una mesa" (1925), procedente del Reina Sofía, o de "Naturaleza muerta" (1925), un cuadro que prefigura el informalismo treinta o cuarenta años antes.